Andy Warhol

Biografia OpusVida por dina

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Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas -serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes- para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie «Death and Disaster» realizada entre 1962 y 1963.

Las pinturas de esta serie -como «Accidente de coche en rojo», «Hombre púrpura saltando» o «Desastre naranja»- transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte. Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie». Plantilla:Citequote Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el «papel de pared de vaca» (un papel de pared con estampado de vacas) o sus «pinturas de oxidación» (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina- también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra -y los medios con que se producía- encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las «pinturas de orines» de Andy:

Victor…era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a Andy «a pintar». Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el estudio…»

El ciclo inacabado de «La última cena», que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, «la mejor». Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.

Películas

Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, «Sleep», John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje «Blowjob»  muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En «Empire», una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en «Eat», una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young, titulada «Trio for Strings», a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como «Kiss», «Eat» o la misma «Sleep» (para la que contrató a Young como compositor). Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas -que acompañó a Warhol en el estreno del «Trio»- afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol. En 1964 Warhol dirigió y produjo «Batman Dracula», una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental «Jack Smith and the Destruction of Atlantis» en el que aparecían fragmentos de la pieza original. En 1965, Warhol produjo «Vinyl», una adaptación de la célebre distopía de Burgess, «The Clockwork Orange». Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película «Camp». Su producción cinematográfica de más éxito -tanto de público como de crítica- fue «Chelsea Girls» (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información».

La influencia de esta división de pantalla, con el valor multinarrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior. Otras de sus películas más importantes son «Bike Boy», «My Hustler», y «Lonesome Cowboys», un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad. La última producción de Warhol como director fue «Blue Movie», en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película -debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual- hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. «Blue Movie» fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera. Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrisey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como «Flesh», «Trash», y «Heat» (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una «estrella» de Morrisey, y no una auténtica «estrella de Warhol».

Música

A mediados de los sesenta, Warhol «adoptó» a una banda llamada «The Velvet Underground», y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado «The Velvet Underground and Nico», y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística. Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado «This Is John Wallowitch», 1964). También diseño las portadas del «Sticky Fingers» de los Rolling Stones en 1971, y del «Love You Live» (1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de «Honi Soit» (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de «Silk Electric». El póstumo «Menlove Ave.» (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol. Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los 70, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo «Misfit», para los Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo «Hello Again» de The Cars (en el que figuraba como barman). La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave -como la banda Devo- y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada «Andy Warhol» en su Hunky Dory (1971), y Lou Reed compuso una canción llamada «Andy Chest», que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con la Velvet, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.

Warhol y la edición

Desde comienzos de la década de los 50, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo. El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue «25 Cats Name Sam and One Blue Pussy», impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta acualerable Dr. Martin’s. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra «Jerry» manuscrita en la cubierta, fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsimil. El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000 dólares. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book, Wild Raspberries y Holy Cats. Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.

 

* «A, a Novel» (1968, ISBN 0-8021-3553-6) es una transcripción literal -aderezada con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente- de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory, y contiene sus charlas, sus saludos y sus despedidas.

* «The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)» -traducido al español como «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A»- (1975, ISBN 0-15-671720-4) es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett. La investigadora explica en la introducción de «The Andy Warhol Diaries» que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el antiguo editor de la revista Magazine, Bob Colacello.

* «Popism: The Warhol Sixties», (1980, ISBN 0-15-672960-1) es una revisión retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett.

* «The Andy Warhol Diaries» (1989, ISBN 0-446-39138-7), editado por Pat Hackett, es una especie de «diarios» dictados por Warhol a Hackett a lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Warhol había iniciado ese diario para revisar el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta incluir observaciones personales y comentarios artísticos.

Warhol fue además el creador de «Interview», una revista de moda que aún hoy se publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su querida publicación.

Otros medios

Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador, fue un autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos.

* El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Formado como ilustrador, Warhol acuñó un característico estilo «emborronado» con el que realizó sus celebrados anuncios de zapatos. Algunos de sus dibujos fueron publicados por el propio autor en forma de folletos (así, Yum, yum, yum, sobre la comida; Ho, Ho, Ho, de tema navideño; y Shoes, Shoes, Shoes, de uno de sus temas favoritos. Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se debe a una hoja dorada que decora sus páginas.

* La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio, como el kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell. Otras obras que Warhol realizó en este medio fueron la Silver Clouds, unos globos plateados de mylar con forma almohadillada. Una de estas «nubes plateadas» fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. «Clouds» fue también el título de una parte del RainForest, un espectáculo de danza contemporánea coreografiado por Merce Cunningham en 1968.

* Música y edición de sonido: A partir de determinado momento, Warhol decidió no separarse de una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese, y con la que registraba cualquier cosa que dijese alguien cerca de él. Llamaba al aparato como «mi esposa», y utilizó parte del material grabado como soporte literario de algunos de sus libros. Otra importante obra sonora de Warhol fue su Invisible Sculpture, una instalación en la que las alarmas antirrobo dejaban de sonar al entrar. Por otra parte, la colaboración de Warhol con la Velvet Underground fue una vertiente muy destacada de su expreso deseo de convertirse en productor de música.

* La Time Capsule, creada en 1973, es una pieza con la que Warhol quería rescatar objetos de su entorno cotidiano -cartas, periódicos, suvenires, objetos de infancia, incluso billetes de avión y restos de comida- que reunía y sellaba dentro de cajas de cartón que él llamaba cápsulas del tiempo. Para la fecha de su muerte, existían cerca de 600 de estas cajas, todas adecuadamente fechadas y clasificadas. Las «cápsulas» están ahora reunidas en la colección del Andy Warhol Museum.

* Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería llamar The Nothing Special», un programa especial sobre su tema favorito: Nada. Al final de su carrera creó dos programas televisivos, la Andy Warhol’s TV (1982) y Andy Warhol’s Fifteen Minutes (1986), basado en su célebre frase sobre los «quince minutos de fama» que todo el mundo deberíamos tener. Además de las apariciones en sus propios programas, Warhol frecuentaba otras emisiones, como The Love Boat, en el que una mujer casada de nombre Marion Ross temía que Warhol revelase a su entonces marido, Tom Bosley -quien actuaba con Ross en el sitcom Happy Days- su dudoso pasado como Marina del Rey, una de las muchas «superestrellas» de Warhol. Warhol también realizó un anuncio de televisión para la cadena de restaurantes Schrafft’s, de Nueva York. El anuncio promocionaba un postre helado apropiadamente llamado «Underground Sundae».

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